Eine Verbeugung vor dem Werk von Chris Marker ist Jem Cohens jüngstes Werk Counting, ein persönlicher, essayistischer Streifzug durch Metropolen unserer Welt in 13 Kapiteln: New York, Moskau, St. Petersburg, Istanbul, Porto… Und immer wieder erscheinen Katzen im Bild.

Von existenziellen Krisen, Selbstvergewisserung und Neuorientierung handeln zahlreiche der diesjährigen Filme. Das gilt für das Thema Migration, etwa in dem dänisch-serbischen Found-Footage-Film Flotel Europa von Vladimir Tomic oder dem Dokumentarfilm Hotline von Silvina Landsmann, der sich mit den Leidenswegen von in Israel gestrandeten afrikanischen Flüchtlingen beschäftigt. Es betrifft aber auch die vermeintlich heile Welt der selbstzufriedenen westlichen Gesellschaften.

Die deutsche Regisseurin Sonja Heiss geht mit ihrem Spielfilm Hedi Schneider steckt fest (Hedi Schneider is Stuck) ein besonderes Wagnis ein. Mit treffsicherem Gespür für Komik nimmt sie sich eines ernsten Themas an. Die fröhliche Welt einer mustergültigen Kleinfamilie gerät unvermittelt aus den Fugen, als die unbekümmerte Hedi, gespielt von Laura Tonke, plötzlich Panikattacken erleidet. Das Glück, das die Protagonisten des Films für selbstverständlich hielten, erscheint urplötzlich unerreichbar, die Welt fragil und ungewiss.

Auch Nina, die Hauptfigur von Sacha Polaks Spielfilm Zurich, wird durch ein schockartiges Ereignis aus der Bahn geworfen. Die junge Frau taucht in der anonymen Welt der Autobahnen und ihrer Raststätten unter, bleibt rastlos in Bewegung, um nicht zurückzuschauen. Die Regisseurin folgt ihr dabei aus nächster, fast schon intimer Nähe und lässt den Zuschauer die Trauerarbeit unmittelbar miterleben.

An einem Wendepunkt sind auch Catherine (Elisabeth Moss) und Virginia (Katherine Waterston) angelangt, die besten Freundinnen in Alex Ross Perrys neuem Spielfilm Queen of Earth. Letztes Jahr hatte Virginia es nicht leicht, jetzt leidet Catherine. Die Hütte am See von Virginias Eltern ist der ideale Ort, um eine Woche lang die Wunden zu lecken. Einfach wird es nicht.

In einer kleinen Stadt in Kalmückien am Kaspischen Meer spielt Chaiki (The Gulls) von Ella Manzheeva. Sie erzählt von einer jungen Frau, der es nicht gelingt, ihrer kleinen Welt zu entfliehen. Als ihr Mann, der von illegalem Fischfang lebt, von einer riskanten Bootstour nicht zurückkehrt, bietet sich für Elza die Gelegenheit, das vertraute Territorium hinter sich zu lassen. Die Regisseurin inszeniert in ihrem Debütfilm Landschaften, Wohnzimmer, Flure und Straßen als visuelle Zugänge zu Elzas Innenleben.

Mit dieser Methode lässt sich auch dokumentarisch arbeiten, wie Joaquim Pinto und Nuno Leonel in Rabo de Peixe vorführen. Montiert aus einzigartigen Aufnahmen, die zwischen 1999 und 2001 auf den Azoren entstanden sind, porträtiert dieser Dokumentarfilm voller Zärtlichkeit die Fischer, deren Handarbeit und ein Leben, das nur noch in jenen Bildern existiert. Die berauschenden Aufnahmen des Meeres, der Boote, der schwarzen Strände und der weißen Häuser beschreiben auch Gefühlslagen.

Einen geografischen Schwerpunkt im Forumsprogramm 2015 bildet das junge lateinamerikanische Kino. Filme aus Brasilien, Argentinien, Chile, Kolumbien und Mexiko setzen sich mit institutioneller, politischer und familiärer Gewalt auseinander und porträtieren Menschen, die auf gesellschaftliche Umbrüche individuelle Antworten suchen.

Die bild- und tongewaltige avantgardistische Satire Brasil S/A (Brazilian Dream) von Marcelo Pedroso verdichtet in einer experimentellen, politisch akzentuierten Montage reale und surreale Bilder aus dem Brasilien der letzten Jahrzehnte zu einem rauschhaften Kinoerlebnis. In dem Regiedebüt Beira-Mar (Seashore) von Marcio Reolon und Filipe Matzembacher reist ein junger Mann ins Ferienhaus der Familie am Meer, um eine heikle Erbangelegenheit zu klären. Ein alter Freund begleitet ihn. Behutsam erzählt der brasilianische Film von einem langen Winterwochenende, erwachender Sexualität und neuer Intimität. Auch der in Argentinien entstandene Spielfilm Mar der Chilenin Dominga Sotomayor entwickelt aus der vordergründig privaten Geschichte eines jungen Paars, das im Urlaub vom Auftauchen der Mutter gestört wird, ein komplexes Gesellschaftsbild.

Der chilenische Spielfilm La mujer de barro (The Mud Woman) von Sergio Castro San Martín begleitet die wortkarge Maria zurück an den Arbeitsort, an dem sie einst Schlimmes erlebt hat. Als sich die Geschichte zu wiederholen scheint, nimmt sie ihr Schicksal in die Hand. Aus drei eindringlich inszenierten Episoden besteht Violencia, das Regiedebüt von Jorge Forero. Ein angeketteter Gefangener mitten im Dschungel, ein Jugendlicher auf der Suche nach Beschäftigung, ein hochrangiger Offizier bei einer Miliz: ein Tag, drei Männer, drei Schauplätze, ihr Bindeglied die allgegenwärtige Gewalt in Kolumbien. Der mexikanische Regisseur Joshua Gil erzählt in La maldad (Evilness) von einem alten Mann, der noch große Pläne hat. Seine Entschlossenheit führt ihn in die Stadt, wo Forderungen nach politischer Veränderung immer lauter werden.

Gewinner des Panorama Publikums-Preises 2009 waren „The Yes Men“, Satiriker, Anarchos und spaßhafte Ankläger des gewissenlosen Profitstrebens. 2015 kommen sie zum dritten Mal nach Berlin mit The Yes Men Are Revolting. Diesmal nehmen sie u.a. die Kopenhagener Klimakonferenz aufs Korn und sorgen für ordentliche Verwirrung beim Ölriesen Shell.

Raoul Peck stellt sein neuestes Werk im Panorama vor: Die haitianisch-französisch-norwegische Ko-Produktion Murder in Pacot (Drehbuch Pascal Bonitzer). Ein Charakterstück im Freien gibt vor dem Hintergrund der  Erdbebenkatastrophe in Port-au-Prince einen bitterbösen Blick frei auf die Klassenunterschiede der haitianischen Gesellschaft.

Aus Lateinamerika ist bislang eine Ko-Produktion aus Uruguay, Chile und Nicaragua bestätigt: El hombre nuevo (The New Man) von Aldo Garay. Auch hier ein Blick in die jüngere Geschichte: Während der Kämpfe von Tupamaros und Sandinisten gegen die Militärdiktaturen ihrer Länder landet der junge Roberto aus Nicaragua bei Pflegeeltern in Uruguay. Als er sich zu einer Geschlechtsanpassung entscheidet, stößt auch die linke Gesellschaft an ihre Toleranzgrenzen.

Missbrauch von Kindern ist das Thema mehrerer Werke – im eben erwähnten El hombre nuevo ebenso wie in Filmen aus Österreich (Der letzte Sommer der Reichen von Peter Kern), der Schweiz  (Dora oder die sexuellen Neurosen unserer Eltern von Stina Werenfels), Kanada (Chorus von Francois Delisle) und Tschechien (Danieluv svet von Veronika Liskova). Es ist offensichtlich an der Zeit, dieses schwierige Thema erneut und mit größerer Risikobereitschaft anzugehen.

Eine zeitgeistige Männerparabel über Identität und Lebenslust ist der norwegische Spielfilm Mot Naturen (Out of Nature)von Ole Giæver und Marte Vold. Ein junger Vater braucht eine Auszeit vom Elternglück: Er zieht sich auf eine Bergwanderung zurück und überdenkt, was er vom Leben will.

Im schwedischen Beitrag Dyke Hard von Bitte Anderson werden alle Register der Indie-Kinolust gezogen, in einem wilden Quasi-Musical von Post-Punk-Lesbo-Rock'n'Roll-Kaliber: Das ist Undergroundspaß pur.

Neben El Hombre Nuevo, The Yes Men Are Revolting und Danieluv svet sind fünf weitere Panorama Dokumente bereits bestätigt:

Die neue Lust an den 1980ern greift auch B-Movie – Lust & Sound in West-Berlin von Jörg A. Hoppe, Klaus Maeck und Heiko Lange auf: Es ergießt sich ein Füllhorn an ungezügelter Kreativität aus einem Zeitabschnitt Berlins, der als ein Höhepunkt bezeichnet werden darf. Neben fast schon vergessenen Perlen sind Tonwerke von u.a. Gudrun Gut, Blixa Bargeld und Nick Cave mit von der Partie.

Skandal im Zoo Palast: So begann R.W. Fassbinders Eroberung der Berlinale, im Wettbewerb 1969 mit Liebe ist kälter als der Tod. Der Däne Christian Braad Thomsen öffnet in Fassbinder – lieben ohne zu fordern sein Archiv und schenkt uns einen kontemplativen Nachmittag mit dem endlos inspirierenden Filmemacher in einem Hotelzimmer in Cannes.

Zu den afrikanischen Staaten, in denen unter Einflussnahme evangelikaler US-Organisationen tödlicher Hass auf die homosexuelle Bevölkerung geschürt wird, gehört auch Kenia. In Stories of Our Lives gibt Jim Chuchu einer Reihe mutiger Menschen das Wort. Der in seinem Ursprungsland verbotene Film zeigt auch vorchristliche Riten, die die Selbstbestimmung weit mehr respektierten, als dies heute der Fall ist.

Die 3D-Dokumentation Iraqi Odyssey des Iraki-Schweizers Samir entblättert in 162 Minuten meisterlich die hochkomplexe jüngere Geschichte des Irak anhand von Ereignissen innerhalb einer Familie.

Zuschauer und Filmkritiker reagierten auf die ersten Filme mit ihren flackernden Farbsäumen eher zurückhaltend. Doch die Skepsis der Kinobetreiber und die eigenen Ansprüche trieben Kalmus und sein Team in den kommenden Jahren und Jahrzehnten zu immer neuen Verbesserungen an. Mit Technicolor Nr. IV, das ab 1932 mit den drei Farben Grün, Rot und Blau zum Einsatz kam, war dann jene Qualität erreicht, der Technicolor seine Strahlkraft verdankt: Erstmals konnte das gesamte Farbspektrum wiedergegeben werden. Technicolor Nr. V, eingeführt 1952, war nur mehr ein Kopier-, kein Aufnahmeverfahren.

Technicolor war nicht auf einen Stil festgelegt, wenn es auch im Vergleich zur Transparenz anderer Farbfilmverfahren eine eher gesättigte Anmutung besaß. Vielmehr war es der Anspruch, Farbe sehr bewusst einsetzbar zu machen. Zu besonderer Wirkung gelangte Technicolor in (Melo‑)Dramen, Musicals und Abenteuerfilmen.

In Richard Boleslawskis Drama The Garden of Allah (Der Garten Allahs, USA 1936) wird die einsame Wüste in warmen Rotbrauntönen zur Seelenlandschaft. In dem Abenteuerfilm The Three Musketeers (Die drei Musketiere, USA 1948) in der Regie von George Sidney kämpfen tollkühne Männer in leuchtendem Rosa und Hellblau in einer gänzlich stilisierten, künstlichen Natur.

Ein Kassenhit war das MGM-Musical The Wizard of Oz (Das zauberhafte Land, Victor Fleming, USA 1939). Es nahm die Konkurrenz zu den Technicolor-Filmen der Walt Disney Productions auf. Bei The Wizard of Oz kommt Farbe so exzessiv zum Einsatz, dass die Schauspieler in ihren Fantasiekostümen wie Kunstfiguren wirken. Marilyn Monroe ist in Gentlemen Prefer Blondes (Blondinen bevorzugt, USA 1953) von Howard Hawks vor sattrotem Hintergrund in ein unwiderstehliches Pink gehüllt, wenn sie singt „Diamonds are a girlʼs best friend“.

Überwältigende Naturpanoramen prägen die Western in Technicolor. In Duel in the Sun (Duell in der Sonne, USA 1946) von King Vidor werden unter der sengend orangeroten Wüstensonne Hass und Liebe ausgelebt. In John Fords She Wore a Yellow Ribbon (Der Teufelshauptmann, USA 1949) liefert das Monument Valley in seinen erdigen Tönen die malerische Kulisse, mit der leuchtende Uniformen und Kostümdetails kontrastieren.

1953 war schließlich das Jahr, in dem der konkurrierende Farbnegativfilm zu boomen begann. Heute gilt es, sich den gloriosen Filmen in Technicolor möglichst originalgetreu anzunähern. „Der Kooperation mit dem George Eastman House in Rochester ist es zu danken, dass wir Filmkopien aus einer der weltweit größten und besterhaltenen Sammlungen von Technicolor-Filmen präsentieren können – und dies von der Originalkopie bis zu modernen Farbfilmkopien. Dank der Unterstützung weiterer Filmarchive und -studios zeigen wir auch zahlreiche restaurierte Fassungen“, kommentiert Rainer Rother, Leiter der Retrospektive und Künstlerischer Direktor der Deutschen Kinemathek.

Zur Retrospektive erscheint im Bertz + Fischer Verlag die reich bebilderte Publikation „Glorious Technicolor“. Die Essays von renommierten Autoren – darunter Scott Higgins, Barbara Flückiger und Susanne Marschall – vertiefen erstmals in deutscher Sprache das Phänomen Technicolor in seinen vielfältigen, bisher teils unberücksichtigten Aspekten.

Das Filmprogramm der Retrospektive wird ergänzt durch Veranstaltungen in der Deutschen Kinemathek. Das George Eastman House in Rochester, New York, initiierte das Thema der Retrospektive. Entwickelt wurde es in Partnerschaft zwischen der Deutschen Kinemathek, The Museum of Modern Art und dem Österreichischen Filmmuseum. Dank dieser Kooperation wird die Filmreihe 2015 auch in Wien (April 2015) und New York (Sommer 2015) präsentiert.

Unterstützt werden Retrospektive und Hommage bereits im zweiten Jahr von ihrem Sektionspartner, der traditionsreichen Uhrenmanufaktur Glashütte Original, Co-Partner der Berlinale seit 2011.

Seit seinem Spielfilmdebüt Summer in the City (1970) hat Wenders rund 60 Filme gedreht. Nach seinem internationalen Durchbruch mit den frühen Road Movies Alice in den Städten (1973) und Im Lauf der Zeit (1976) arbeitete er sowohl in Europa, den USA als auch in Lateinamerika oder Asien und wurde weltweit auf Festivals mit zahlreichen Preisen geehrt: darunter die Goldene Palme für Paris, Texas (1984) und der Regie-Preis für Der Himmel über Berlin (1987) in Cannes, der Goldene Löwe für Der Stand der Dinge (1982) in Venedig und der Silberne Bär für The Million Dollar Hotel (2000) bei der Berlinale. 2011 stellte Wenders sein ungewöhnliches 3-D-Projekt PINA bei der Berlinale vor, das Publikum und Kritik begeisterte und u.a. eine Oscar-Nominierung erhielt.

„Beeindruckend an Wim Wenders ist die Vielfalt seiner künstlerischen Neigungen, sind nebst seinen Filmen auch seine Arbeiten als Buchautor und Fotograf. In mehreren filmischen Essays würdigt er von ihm verehrte Künstler wie Yasujiro Ozu (Tokyo-Ga, 1985) oder jüngst den Fotografen Sebastião Salgado in The Salt of the Earth (2014)“, kommentiert Rainer Rother, Leiter der Retrospektive/Hommage und Künstlerischer Direktor der Deutschen Kinemathek.

Im Rahmen der Hommage an Wim Wenders werden zehn Filme aus dem umfangreichen Spiel- und Dokumentarfilmschaffen präsentiert. Weitere Informationen zur Hommage und zum Filmprogramm werden im Herbst 2014 veröffentlicht.